Expositions
Mireille Audiffred
Peinture
du 10 au 22 juin 2025
Mireille Audiffred a étudié les arts décoratifs ainsi que le stylisme et l’histoire du costume à Paris.
Elle a passé son enfance dans le monde du spectacle et a conservé de cette période une grande attirance pour cet univers , fantastique et poétique, pour ses couleurs et ses lumières.
Après une première exposition de groupe à Paris à la galerie André Weil, elle est admise en 1977 à la Société des Artistes Français.
Suivent ensuite de nombreuses expositions en France et à l’étranger.
Elle s’intéresse jusqu’en 1985 au monde du spectacle, à la Camargue et aux chevaux. Elle découvre ensuite la Polynésie qui sera dès lors un de ses thèmes de prédilection.
Sur les traces de Paul Gauguin, elle nourrira son travail de ses paysages paradisaques, de ses habitants, de l’omniprésence de l’eau, source intarissable d’inspiration…
En 1992, Mireille Audiffred intègre l’équipe pédagogique de l’école des Beaux-Arts d’Abbeville.
Quelques fidèles élèves, encore présentes aujourd’hui, se souviennent de leur professeure et de son enseignement.
Mireille nous a quitté cet hiver, mais elle nous laisse, et c’est le privilège des artistes, ses œuvres, ses toiles lumineuses que nous pouvons admirer aujourd’hui et pour longtemps encore !
Ces œuvres nous ont été prêtées par de fidèles admirateurs, nous les en remercions chaleureusement !
Et nous remercions encore une fois Mireille Audiffred qui nous ouvre les fenêtres de son univers.
Jean Bercez
Gravure taille douce
du 26 avril au 6 juin 2025
Jean Bercez est né en 1946 à Valenciennes, il habite à Mareuil -Caubert.
Il fait ses études aux écoles académiques des Beaux-Arts de Valenciennes (avec Bernard Sodoyez, ancien directeur de l’école des Beaux-Arts d’Abbeville) et y obtient son CAFAS en 1965.
Il est ensuite admis à l’école des Beaux-Arts de Paris dans l’atelier de gravure de Robert Cami où il se consacre à la technique de la taille -douce au burin.
Mais Jean Bercez se revendique également peintre, dans un registre réaliste jusqu’à une certaine abstraction. Il est influencé par le travail de ses professeurs de gravure dont Chot -Plassot, grand prix de Rome, Cami et par de nombreux artistes : Cézanne, Delaunay, Braque, Adam… La nature et les paysages sont ses sources d’inspiration.
Cette exposition est consacrée à son travail de graveur et plus précisément à ce que l’on nomme la taille- douce au burin.
Cette technique permet, au moyen d’outils appelés burins, de travailler directement la plaque de cuivre en dessinant, c’est-à-dire en creusant dans la plaque de métal, les lignes du dessin (les tailles) ainsi que les trames de traits entrecroisés qui feront apparaître les différentes valeurs de gris optiques.
Cette technique est très proche du dessin et c’est ce qui séduit Jean Bercez, elle est également peu exigeante en moyens techniques contrairement à l’eau -forte où on utilise l’acide.
« Il suffit de graver le dessin à l’aide du burin, d’encrer la plaque, d’essuyer le surplus d’encre et de passer la plaque, sur laquelle on a placé une feuille de papier, sous la presse pour obtenir une reproduction de l’image… » indique très modestement Jean Bercez …
Cela exige en vérité un véritable savoir-faire et l’acquisition d’un geste que seule une pratique longue et assidue permet de maîtriser.
Il faut également beaucoup de patience et de temps pour produire ces œuvres gravées….des notions qui sont sans doute un peu à contre-courant de notre époque…moderne…
La technique de la gravure permet de réaliser grâce à la matrice que constitue la plaque, des multiples, c’est à dire qu’il est possible de réaliser de nombreux tirages du même dessin dont l’aspect peut toutefois être changeant, car influencé par l’encrage, la couleur de l’encre, sa qualité, par l’essuyage et par la qualité du papier. Chaque tirage, bien que semblable aux précédents, demeure une œuvre unique !
Pour terminer cette présentation, rappelons la place particulière occupée par Abbeville dans l’histoire de la gravure… Jean-François Petitperrin
Camille Sohier
SIMILITUDES
du 16 mars au 19 avril 2024
Camille Sohier est né le 8 mars à Cherbourg.
Il fait ses études à l’Université Picardie Jules Verne où il obtient successivement, un Bac pro en production graphique, une licence d’Arts et un Master d’Arts, Spécialité Théorique et Pratiques Artistiques.
Son processus créatif repose sur une association des pratiques traditionnelles et des pratiques numériques.
Il sélectionne notamment des représentations iconiques de la pop culture, du cinéma ou de l’histoire de l’art telles que Kurt Cobain, le chanteur du goupe Nirvana ou prochainement la Joconde de Léonard de Vinci ?
Camille Sohier nous les donne à voir en les revisitant à l’aide de l’outil informatique et des techniques graphiques traditionnelles avec en préambule à cette interprétation cette question :
« Comment ces images ont-elles pu créer, accroître et faire perdurer le statut quasi divin de certains personnages ou objets issus de la réalité ou de la fiction ? »
Camile Sohier est en charge du FAB LAB de la Maison pour Tous installée depuis quelques mois dans l’espace collaboratif nouvellement construit dans les quartiers du Soleil Levant et Platanes dans le cadre du grand chantier de rénovation dont ils sont l’objet.
ROUGE
Exposition réalisé dans le cadre d’un partenariat
avec le conservatoire de la Baie de Somme
du 3 février au 8 mars 2024
entrée libre et gratuite aux horaires des ateliers
Aïssa Aberkan
Du 2 décembre 2023 au 26 janvier 2024
Entrée libre et gratuite aux horaires des ateliers
Marie-Claude Bachelier Heynen
Du 23 septembre au 17 novembre 2023
Le conte, qu’en est-il ?
Des contes, il en existe dans tous les pays du monde, des histoires qui se transmettent de bouche à oreille pour distraire et instruire les enfants.
Ces récits imaginaires, fantastiques, aux univers merveilleux ne visent pas seulement à nous amuser, mais nous édifient, nous reprennent, et parfois même nous sauvent.
Carlo Collodi, quand il crée Pinocchio en 1881, va le faire mourir assez rapidement, il le fait pendre par des malfrats qui l’ont grugé, comme si c’était juste ce qu’il méritait pour s’être égaré sur la route. Et, c’est la révolte parmi les enfants qui suivent l’histoire de ce pantin de bois avec passion chaque semaine dans le « Giornale per i Bambini » !
Alors il le ressuscite, lui donne une seconde chance comme le fils prodigue.
Il y a un effet miroir en lien avec ce fils qui se révolte et part mener brillante et joyeuse vie, mais qui se retrouve dans une misère noire, sans ami quand vient à lui manquer sa fortune.
Pinocchio, ce personnage qui nous ressemble beaucoup plus qu’on ne l’imagine, par ses faiblesses, mais aussi par sa résilience face à l’adversité, sa capacité à rebondir jusqu’à triompher et devenir libre.
Il ne ressemble en rien à ce pantin édulcoré qu’en a fait Walt Disney. Il fait face à la mort, à la perte de Lumignon, au danger, aux mensonges de ce monde, sa route est compliquée ; elle me fait penser à la peinture de Carrache, « Hercule à la croisée des chemins »…, quel itinéraire prendre ?
A la fin, c’est grandiose, c’est ce qui importe.
Quant à Peau d’Âne, c’est une autre histoire, une histoire de fille, de princesse qui n’aurait pu imaginer que son monde s’écroule et soit mis en danger. La prédation du père qui veut lui voler son âme, c’est énorme !
Comment peut-on réagir face à tout ça ?
On fuit, on se cache, on met en place une stratégie pour s’en sortir et vivre, puisqu’il faut bien que la vie prenne le dessus.
Il y a dans le monde contemporain autant de Peau d’Âne qu’au temps de Charles Perrault, des prédateurs sans scrupules passant par les mailles du filet, mais il y aura toujours de ces « princes » sauveurs qui font que le manteau de l’âne se retrouve un jour dans l’armoire.
Une peau d’Âne n’est pas seulement la victime d’un père, d’un frère, d’un ami de la famille…, elle peut aussi être vandalisée par des mots inappropriés et des regards assassins.
Toutefois, comme Pinocchio, quand le manteau tombe, la princesse resplendit.
Marie-Claude Bachelier-Heynen Dunkerque, le 8 septembre 2023
Elise Dupuis
Graphisme, peinture et céramique
du 6 au 31 mai 2023
Le travail de Elise Dupuis s’articule autour de deux axes, le volume, à travers la pratique du modelage, et l’univers bidimentionnel du dessin,de la peinture et des techniques mixtes.
La confrontation de ces deux genres très différents de représentation dans un même lieu peut dès lors poser question…
Quels liens le regardant est il en mesure d’établir entre ces deux systèmes de représentation, entre ces deux univers esthétiques ?
Sommes nous tenus d’apporter une réponse à cette question ?
L’artiste est libre des ses choix et rien ne l’oblige à se justifier… de même que le spectateur est aussi libre d’apporter à cette question la réponse qui lui convient…
Nous allons néanmoins évoquer quelques pistes qui permettront de décrypter l’ensemble présenté dans la galerie de l’école des Beaux-Arts.
Les têtes modelées d’ Elise Dupuis incarnent une certaine réalité, elles figurent une partie du corps humain et des visages, de femmes essentiellement.
Ces visages expriment des états d’âmes, des sentiments, ils nous communiquent, de part la manière dont nous les percevons, certaines informations que chacun interprète à son grée et selon le référentiel qui lui est propre.
Ainsi cette apparence physique est en relation avec ce qui préside à l’état d’esprit de l’individu, le regardant ainsi que le représenté, une activité cérébrale qui est invisible, et que nous percevons à travers l’expression du visage.
La tête est donc le siège de ce monde invisible, notre conscience et aussi de notre inconscience, cet univers s’y niche bien au chaud et plus ou moins à l’abri du monde extérieur.
Et c’est à l’intérieur de la tête que s’élaborent ces représentations fugaces, insaisissables, des images qui souvent échappent à notre analyse et par la même à notre contrôle.
Celles que nous donne à voir Elise Dupuis font partie de ce registre, elle explore cet univers, elle en fixe quelques éléments, elle les fait poser pour nous et les livre en pâture à nos regards indiscrets…
Quelles prises de risque !
Car cet arrêt sur image intime vient en percuter un autre, celui de l’observateur qui ne peut échapper à son propre défilé de visions, à sa nomenclature personnelle… intime…secrète..
L’artiste accepte cette prise de risque, carburant de son processus créatif, ses jeux de mots picturaux … elle ose le regard de l’autre comme beaucoup d’artistes,
pour exister tout simplement !
Jean-François Petitperrin
Hélène Naty
Variations Végétales
du 5 décembre 2022
au 27 janvier 2023
Le végétal est un thème que j’explore périodiquement depuis plusieurs années. Sa diversité offre un choix important de sujets que je traite souvent sous forme de séries.
Ainsi les Paperolles inspirées des reliquaires de papiers enroulés fabriqués par les moniales prennent l’herbier comme motif et déclinent des variétés de plantes faites d’étroites bandes d’argile collées sur un support circulaire en terre.
Les Poivrons quant à eux jouent le jeu du plein et du vide ; le cerne reprenant la forme du poivron en coupe longitudinale encadre le cœur plein de ce dernier.
De même la mandorle en terre noire, des Amandes enclot des semences en terre blanche suspendues.
La série des Pavots associe dessin et céramique. Le côté fragile de la fleur de pavot est suggéré par de petits formats suspendus sur lesquels sont esquissées d’un trait d’encre ces fleurs éphémères. Les capsules réalisées en céramique sont fixées sur des tiges métalliques fichées dans une poutre de chêne.
CIV est une interprétation très libre du processus de croissance et multiplication des cellules ou tissus végétaux de la culture in vitro.
Le travail des Strates et celui des Cubes abordent l’idée de germination, celui des Arabesques joue avec le motif floral qui se déploie en une dentelle de terre. Le geste répété, le multiple accompagnent ma pratique plastique.
Hélène Naty
Bernard Sodoyez
… Venise
du 25 février 2022
au 8 avril 2022
Venise, pour moi, c’est le coup de foudre lors de mon premier voyage, en sortant de la gare. Bien-sûr, comme tout bon touriste, en première lecture il y a la découverte des façades, des calli, des ponts …
Au fil des visites, chaque année, l’autre Venise, plus sombre, plus inattendue, plus mystérieuse s’est imposée. Les expositions des Biennales, dans la ville nous font découvrir des lieux, des sculptures qui ont été et qui sont toujours les principaux thèmes de mes travaux.
Mais dessiner ou peindre Venise, aujourd’hui me parait insurmontable, surtout à la suite de Canaletto, Guardi, Turner, Monet et tant d’autres. J’ai réalisé peu de paysages de la ville préférant la lagune et les îles au loin.
Je ne peux me séparer de Venise, dès que je la quitte, je n’ai de cesse d’y revenir.
Gérard Payen
Enseignes peintes
d’Afrique de l’ouest
Photographies
du 13 décembre 2021
au 4 février 2022
J’ai vécu et travaillé durant quinze ans en Afrique de l’ouest.
En observant les paysages urbains, j’ai été marqué par les enseignes peintes à la main qui annonçaient les lieux et métiers des artisans. Il s’agissait souvent d’enseignes de coiffeurs, de photographes, de tailleurs, d’horlogers, mais aussi de mécaniciens, de disquaires, de bars, de restaurants, de guérisseurs…
Parfois c’était proche de l’art pariétal, motifs peints directement sur les murs, des cloisons, du contreplaqué de récupération.
J’ai été particulièrement séduit par l’aspect « art brut », arts poétique voir surréaliste, parfois proche de l’abstraction dans la facture esthétique de cet art.
A la fois pratique, utilitaire et aussi expressif, onirique, décalé, il s’en dégage fréquemment un humour évident et aussi une philosophie de la vie.
Sans oublier certaines évidences sociologiques comme la reconnaissance et la fascination de la technicité (docteur de montre) jusqu’à l’exubérance (hôpital de la montre).
Ces photos ont été prises au Niger, au Bénin, au Togo, au Burkina Faso et principalement en Côte d’Ivoire entre 1969 et 1987.
Gérard Payen
Megan Laurent
Vues Persannes
Photographie
du 3 octobre 2020
au 6 novembre 2020
Lors de ma résidence artistique de plusieurs mois en 2017 au C. C Art Space (centre d’art à Ispahan), accompagnée de mon appareil photographique, j’ai sillonné l’Iran de Téhéran jusqu’au Golfe persique en passant par Ispahan.
Vues Persanes se présente comme une exposition éloignée des représentations médiatiques actuelles du pays, ce territoire étant ostracisé pour des raisons politiques, « fantasmé » pour son régime à l’heure d’une islamophobie latente en Europe.
J’ai voulu à travers mes images et mes textes, témoigner de la richesse culturelle de l’Iran, de son quotidien, de ses paysages insoupçonnés et de ma rencontre avec les Iraniens.
Megan Laurent